lunes, 17 de septiembre de 2012

PALACIO DE VERSALLES




Obra: Palacio de Versalles
Fecha: 1661 -1692
Ubicación: municipio de Versalles - Francia

El Palacio de Versalles es un edificio que fue una residencia real en siglos pasados.
Luis XIII encargó a Philibert le Roy la construcción de un palacete en la zona de Versalles, lugar rico en caza al que acudía con frecuencia.
Luis XIV se encariñó con el lugar y decidió transformarlo a lo largo de tres etapas. 

Tuvo varias etapas constructivas:

La primera ampliación se debe a Luis le Vau y se realiza entre 1661-68, al palacete de caza se añadieron dos alas prolongando las del patio, destinadas a cocinas y cuadras. Son fachadas de ladrillo y unifica la cubierta usando también la pizarra y las mansardas.

La segunda ampliación se produce entre 1668-78, cuando el monarca decide hacer de Versalles la residencia de la Corte. Se escogió de nuevo a Le Vau como arquitecto y se diseñó una envoltura en forma de larga U, dejando el primitivo palacio como núcleo del nuevo edificio. El llamado Cour de Marbre, el patio de mármol con losas de colores blanco y negro, se convierte en el núcleo del edificio, agrupándose a su alrededor los aposentos reales. Añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André Le Nôtre. La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo italiano. Un primer piso de sillares almohadillados. Un piso noble de doble altura con crujías retranqueadas, jugando con entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras. Por último, un tercer piso, el ático, rematado por una serie de figuras escultóricas (trofeos y jarrones) que casi no dejan ver la caída de la cubierta, la cual no es muy inclinada.

La tercera y definitiva ampliación, motivada por el problema de dónde alojar a las más de 20.000 personas que formaban la Corte y el Gobierno de Francia, se desarrolla entre 1678 y 1715 y corresponde a Jules-Hardouin Mansart. Construyó dos inmensas alas que empalmó perpendicularmente con las alas laterales del patio, una hacia el norte y otra hacia el sur, retranqueadas y puestas en línea con el acceso al patio, ya que si lo hubieran estado con la fachada del parque hubiera resultado un frente de casi 500 metros. Deseaba remodelar la fachada que daba al parque para disponer un salón central pero la negativa del rey le llevará a realizar en esta zona la Galería de los Espejos, salón más representativo del palacio versallesco. 

También será Mansart el encargado de diseñar la capilla, ubicada en el ala norte, como una edificación casi independiente, organizándose a través de dos plantas en torno a un espacio central único con lo que se forman tres naves, divididas mediante arquerías que cargan sobre fuertes pilares cuadrados mientras que en el piso alto columnas corintias sostienen el dintel en el que carga la bóveda. En la altura superior estaba situada la Tribuna Real, desde donde el Rey y su familia atendían a la Misa.

El jardín de Versalles es clasicista, ordenado, racionalizado. Con el paisajismo se obliga a la circulación. Las esculturas se señalan unas a otras. Progresiva civilización del jardín: muy ordenado, podado y cuidado en la zona próxima al palacio, y después se hace más silvestre a medida que nos alejamos del palacio.


BIBLIoGRAFÍA:
  • enciclopedia.us.es
  • wikipedia
  • artehistoria.jcyl.es
  • algargosarte.lacoctelera.net

SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL






Obra: San Andrés del Quirinal
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Fecha: 1658 - 1670
Ubicación: Roma - Italia.

Datos biográficos del autor: (Nápoles, 1598 – Roma, 1680). Escultor, arquitecto y pintor. Recibió las primeras enseñanzas de su padre, escultor manierista. En sus primeras obras Bernini demuestra interés por la escultura helenística, realizando obras imitando a la perfección el estilo antiguo.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos.

Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.
La planta tiene forma elíptica. Su colocación transversal, con el altar y la entrada opuestos en el eje menor, permite llegar rápidamente al centro, a la plenitud del edificio.
La decoración en estuco fue diseñada por Bernini y ejecutada por Antonio Raggi y otros, entre los años 1661 y 1666.

Controlando los efectos de dilatación, obliga a la mirada del espectador a seguir un recorrido orbital, según la dirección de las pilastras y los entablamentos, que termina en la capilla mayor, donde los ritmos son interrumpidos por el edículo con dos columnas de mármol verde a cada lado, sobremontadas por un frontón curvo partido, con el espectacular San Andrés en vuelo, lo que genera una significativa ruptura entre la zona del altar mayor y la del espacio oval. La policromía de los mármoles, el oro y blanco de los estucos, la luz tamizada de las ventanas y la más brillante y uniforme de la linterna concentran la máxima intensidad lumínica en la capilla mayor que, frente a la oscuridad de las capillas laterales, es explotada con suma habilidad a fin de concentrar la atención en la teatralidad del acontecimiento milagroso: la ascensión del Santo. 

En el pórtico presenta un motivo que repetirá en el templete que abre la capilla mayor, pero invirtiendo sus vectores dinámicos al trocar convexidad exterior por concavidad interior. 


BIBLIOGRAFÍA:

  • artehistoria.jcyl.es
  • wikipedia
  • biografiasyvidas.com

PLAZA DE SAN PEDRO






Obra: Plaza de San Pedro
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Fecha: 1656 - 1667
Ubicación: Ciudad del Vaticano - Roma

Datos biográficos del autor: (Nápoles, 1598 – Roma, 1680). Escultor, arquitecto y pintor. Recibió las primeras enseñanzas de su padre, escultor manierista. En sus primeras obras Bernini demuestra interés por la escultura helenística, realizando obras imitando a la perfección el estilo antiguo.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos.

Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.

La Plaza de San Pedro se encuentra situada en la Ciudad del Vaticano, dentro de la ciudad y capital italiana de Roma y precede, a modo de gran sala períptera, a la Basílica de San Pedro, el magno templo de la cristiandad. Fue enteramente proyectada por Gian Lorenzo Bernini entre 1656 y 1667 a pedido del papa Alejandro VII.

La plaza es una gran explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente mediante dos pasajes, con forma elíptica (340 x 240 m.), de columnatas rematadas en una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares; en su interior se encuentran dos fuentes, una en cada foco de la elipse, y en medio de la plaza se erigió un monumental obelisco (de 25 metros de alto y 327 toneladas), un bloque pétreo sin inscripciones traído desde Egipto que estaba en el centro de un circo romano. En 1586 el Papa Sixto V decidió colocarlo frente a la Basílica de San Pedro en memoria del martirio de San Pedro en el Circo de Nerón. Se le conoce como el “testigo mudo”, pues junto a este se crucificó a Pedro. La esfera de bronce de la cúspide que, según la leyenda medieval, contenía los restos de Julio César, fue reemplazada por una reliquia de la cruz de Cristo. Los dos pasajes de columnas (284 de 16 metros cada una) se abren a cada lado simbolizando el abrazo de acogida de la Iglesia al visitante que parece invitan a entrar.

           



BIBLIOGRAFÍA:

  • biografiasyvidas.com
  • artehistoria.jcyl.es
  • wikipedia

lunes, 10 de septiembre de 2012

BARROCO


Término acuñado en el siglo XIX y que abarca el período entre 1580 y comienzos del siglo XVIII. Se trata de un estilo decorativo y florido, repleto de poses dramáticas y rostros apasionados, que combina la pintura, la escultura y las artes decorativas con el objetivo de crear imágenes de gran impacto visual. La palabra barroco es de origen portuguesa y significa “perla de forma irregular”, o “joya falsa”.

El arte barroco se caracterizada básicamente por el color, la luz y el movimiento.  Sin embargo, el movimiento y la luminosidad son los protagonistas de cada obra; la luz acaba dibujando los contornos, definiendo el ambiente, las formas, la atmósfera de la pintura, en cuanto el movimiento es resaltado por los efectos de profundidad, perspectiva y volumen utilizado por los artistas.  El naturalismo es otra característica del arte barroco, las figuras son representadas con su personalidad propia, sentimientos interiores, perfectamente reflejados en los rostros. Utilizan también la técnica conocida como “claroscuro”.

La pintura barroca surgió en oposición a la renacentista, la diferencia entre ellas es que el artista renacentista retracta el momento anterior a un acontecimiento, el artista barroco resalta el punto más dramático.

Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.

El arte barroco se sitúa en pleno periodo de reforma protestante, donde el poder de la iglesia católica era cuestionado por medio de muchos movimientos revolucionarios.

La secularización de esta época propició que se revalorizaran géneros profanos, como el bodegón o el paisaje, que empieza a cobrar una autonomía inusitada. Las complejas composiciones del barroco, la diversidad de focos de luz, la abundancia de elementos, todo, puede aplicarse perfectamente a un paisaje, tal y como puede verse en la Recepción del Embajador Imperial en el Palacio Ducal de Canaletto. El barroco como estilo general adopta dos formas predominantes, agrupados en torno a dos grandes figuras rivales en la época: Caravaggio, que aglutina a los pintores del Naturalismo tenebrista; y Annibale Carracci, que trabaja con su hermano y con su primo en un estilo clasicista.

Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que, con su grandiosidad y esplendor, reflejaran la majestad de Luis XIV.

La arquitectura barroca se basa en la monumentalidad y dinamismo de las construcciones. El punto de partida, como en las demás artes es la utilización del lenguaje clasicista elaborado durante el Renacimiento, que conducirá a la ruptura del equilibrio clásico. Como soportes se utilizan los atlantes, cariátides y ménsulas y se introducen dos nuevos barrocos: la columna salomónica (fuste torsionado en forma de espiral) y el estípite (soporte vertical con forma de pirámide invertida). Se emplean todos los órdenes (dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto). Las columnas son monumentales o enanas según la conveniencia del conjunto.

En la escultura, se utiliza sobre todo la madera policromada, este tratamiento realza el profundo sentido realista que no consiste en copiar la realidad, sino en hacer eterno lo efímero.



BIBLIOGRAFÍA:


  • Newall, Diana, Apreciar el arte, Editorial Blume, 2009
  • tareasfacil.info
  • artehistoria.jcyl.es
  • artespain.com

EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ





Obra: El entierro del Conde Orgaz
Autor: El Greco
Fecha: 1586-1588
Técnica: óleo sobre tela
Medidas: 4,80 x 3,60 m.
Ubicación: Iglesia de Santo Tomé (Toledo, España)

Datos biográficos del autor: (Candia, 1541 – Toledo, 1614). Doménikos Theotokópoulos, conocido como el Greco (el griego), fue un pintor de finales del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras. Se formó en su isla natal como pintor de íconos, para luego trasladarse a Venecia, donde conoció la obra de Tiziano, Tintoretto y en Roma estudió el manierismo de Miguel Ángel. Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos y algunos cuadros de temática diversa.

La obra se divide en dos planos: uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, por lo que la obra es al vez un cuadro religioso y un retrato de grupo dentro de los que se encuentran él y su hijo reproducidos con absoluta fidelidad.
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna.

Análisis formal: Características del manierismo en la obra:
Luces de apariencia artificial: la parte celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto y en la parte terrenal, el cuerpo del señor de Orgaz y los santos parecen más iluminados que el resto, así como las caras de los personajes representados. Este recurso hace atraer la mirada hacia unas escenas determinadas.

El alargamiento de las figuras: buscaban la belleza de las formas a través de la estilización de éstas. Los tratadistas de la época argumentaban que el cuerpo no se puede medir objetivamente, y ha de ser el ojo, no las reglas las que marquen la composición de la figura
Figuras cortadas: otro recurso manierista es romper con lo que postulaba el Renacimiento, o sea la armonía, el equilibrio y la composición dentro de la obra, lo que se refleja en esta obra en las figuras recortadas que aparecen en los laterales del lienzo.

Figuras serpentinatas: consiste en la elaboración de figuras retorcidas que buscan extraños escorzos. Lo encontramos en el ángel que conduce el alma de Orgaz al cielo.
Predominio del color frente a la línea: el predominio del color se destaca en la representación del alma del difunto, resumida en unas pinceladas de color desapareciendo totalmente la línea. Los colores vistosos de la obra llaman la atención y transmiten emoción
“Horro vacui” (miedo al vacío): esto se ve en la parte celestial donde aparecen un sinfín de personajes que llenan por completo la escena.

El movimiento: según Miguel Ángel el movimiento era una característica de la belleza y aquí se ve en las posturas de algunos ángeles que denotan movimiento.
Estudio anatómico de los cuerpos: otra influencia de Miguel Ángel que vemos en los desnudos que aparecen en la parte celestial de la obra.



BIBLIOGRAFÍA:


  • biografiasyvidas.com
  • wikipedia
  • rediris.es

MERCURIO





Obra: Mercurio
Autor: Juan de Bolonia
Fecha: 1564
Técnica: Escultura - Bronce
Medidas:170 x 57 cm.
Ubicación: Museo del Louvre, París.

Datos biográficos del autor: (Douai, 1529 – Florencia 1608). Escultor francés de la Italia de finales del Renacimiento. Se mudó a Italia en 1550 donde estudió la obra de Miguel Ángel y de autores clásicos. Se vio muy influido por Miguel Angel y el dinamismo de su obra, aunque desarrolló su propio estilo basado en el Manierismo. Sus estatuas están cuidadosamente equilibradas, dándole una ligereza y gracia. Al tiempo que dotaba de tensión dinámica a sus figuras de canon alargado y retorcida espiral, las trabajaba con precisión dibujística en músculos y facciones.
Se convirtió en escultor de la corte de los Médici gracias a la mediación de su mecenas Bernardo Vecchietti.

La escultura representa a Mercurio  mensajero de los dioses, guía de los muertos y protector de los comerciantes, pastores, jugadores, mentirosos y ladrones, reconocible por su casco alado y su caduceo.  En la mitología romana esta vara era llevada por los heraldos o mensajeros como Mercurio. La vara posee dos serpientes entrelazadas. De acuerdo al mito, Mercurio vio luchar a dos serpientes y las separó pacíficamente con el caduceo. Las serpientes dejaron de luchar en el momento y se separaron. El Mercurio parece volar por los aires, en equilibrio con la punta de su pie izquierdo. La actitud flexible y ligera y la multiplicidad de puntos de vista permite disfrutar de una obra en la que se reconoce fácilmente el estilo de su autor.




BIBLIOGRAFÍA:


  • wikipedia
  • elolimpo.com
  • artehistoria.jcyl.es

MANIERISMO


Término procedente de la palabra italiana maniera (manera o estilo) y que se aplicó en el siglo XX para describir el arte y la cultura que se desarrollaron entre el Cinquecento y 1610 aproximadamente. Suele asociarse con los escorzos exagerados, unas composiciones poco habituales y el alargamiento de las figuras. Las posturas son anticlásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una línea serpentinata. Existe un gran protagonismo de la luz. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. El propio Miguel Ángel o el académico Rafael experimentaron en sus últimas obras el placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras.

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.

Tiziano, Correggio o Giorgione someten algunas de sus pinturas a complicados simbolismos que aún no han sido descifrados, como en La Tempestad, de este último.

Correggio se caracterizaba por los desnudos sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de la originalidad en el tratamiento de la perspectiva.
Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni.

La meta de los artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto con diferentes visiones. La escultura presenta un contenido dramático, formas mucho más elegantes, rebuscadas y artificiosas.
Lo que caracteriza a todas las esculturas manieristas es el empleo de la línea serpentinata, que consiste en el movimiento giratorio de un cuerpo sobre un imaginario eje interior; el resultado produce un contrabalanceo de la figura y una sensación de inestabilidad y movimiento permanente. Esto da como resulta do que exista una multiplicidad de puntos de vista, no se halla un delante ni un detrás, esto hace que la obra gire como un espiral, las figuras se retuercen y prolongan, dándole un dinamismo a las obras.

Hay una sensación de movimiento en la figura resultante al ya no estar regida por los principios clásicos.
Escala: se prefería la escala monumental.
Temática: hay una reverencia por los temas mitológicos. Los personajes en las esculturas están desnudos. Se continúa con el arte religioso o alusivo a escenas bíblicas.

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.
En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica.
La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.




BIBLIOGRAFÍA:


  • Newall, Diana, Apreciar el arte, Editorial Blume, 2009
  • artehistoria.jcyl.es
  • buenastareas.com

viernes, 7 de septiembre de 2012

CAPILLA DE JACKSON




Obra: Capilla de Jackson
Autor: Víctor Rabau
Fecha:  1870
Estilo: Ecléctico / Gótico
Ubicación: Barrio Atahualpa

Construida en 1870 por el francés Víctor Rabau y declarada Monumento Histórico Nacional desde 1975, fue edificada como un pequeño oratorio por la familia Jackson en un sector de su quinta, que fue la antigua chacra de Larrañaga, en torno a la cual se fue generando el barrio Atahualpa, con amplias residencias inmersas en vastos jardines. Hoy, totalmente integrada a la ciudad, aún conserva características que evocan el momento en el que fuera edificada.


Se trata de un templo de una sola nave; exteriormente se lee la presencia de un crucero, el que es generado por las dos sacristías adosadas a la nave. La esbelta torre está rematada por una lujosa flecha, en el eje de la fachada principal.



BIBLIOGRAFÍA:


  • rau.edu.uy
  • municipioc.montevideo.gub.uy
  • elpais.com.uy

TEATRO SOLIS




Obra: Teatro Solís
Autor: Varios
Fecha: 1842- 1874 con numerosas interrupciones, inaugurado en 1856
Estilo: Neoclasicismo republicano
Ubicación: Ciudad Vieja

El Teatro Solís es un edificio emblemático y digno ejemplo del neoclasicismo republicano. La concepción original pertenece a Carlos Zucchi; Francisco Garmendia adaptó el proyecto mientras que Clemente César y Víctor Rabú son los responsables del diseño de la fachada y de las alas laterales, respectivamente. En lo interno, luego de un lujoso y amplio vestíbulo se ingresa a la sala ricamente ornamentada, en forma de herradura.

La fachada principal del Solís tiene similitudes con la del Teatro Carlo Felice de Génova, la sala tiene forma ligeramente elíptica, como la de la sala del Teatro de La Scala de Milán, aunque el interior del Solís guarda una similitud notable con otra sala italiana, el Teatro Metastasio de Prato, cerca de Florencia.

La sala posee las características típicas de los teatros líricos, con platea y 4 anillos conocidos como Tertulia baja, Tertulia alta, Cazuela y Paraíso.


BIBLIOGRAFÍA:


  • rau.edu.uy
  • wikipedia
  • montevideo.gub.uy